4to. Diseño Gráfico // Proyecto Integrado // Módulo 4 - 2011

Jóvenes Diseño Gráfico, les dejo algunas direcciones y links de páginas de diseño que pueden consultar para iniciar con el PROCESO DE DISEÑO de su proyecto, recuerden, pueden tomar IDEAS, no plagiar ni copiar, pero si inspirarse y tener CONCEPTO Y CRITERIO, que es lo que se vende en el mercado para ser buen diseñador y sobre todo para conseguir un muy buen trabajo (que imagino es la búsqueda de todos).

http://www.designboom.com/design.html
http://design-milk.com/category/home-furnishings/

4to. Diseño Gráfico // Cromatología // Relación entre colores

Relación entre colores

Circulo Estandar del Color

Según su posición relativa en el Círculo Estándar de Color, los colores pueden ser:

• Colores Análogos: Para un determinado color, sus colores análogos son aquellos que se encuentran a ambos lados del mismo en el círculo de color.
  Por ejemplo los análogos del naranja serían el rojo y el amarillo. En un sentido más específico, los análogos del rojo "red", serían rojo violáceo "crimson" y rojo anaranjado "orangered".
  
  
  
  
  Usados juntos producen sensación de armonía. Suele ser una buena idea usar colores complementarios como primario y secundario de una página web.
• Colores Complementarios: Son aquellos que se encuentran opuestos en el círculo de color (por ejemplo el amarillo y el violeta o naranja y azul). Usados juntos producen un gran contraste destacando mucho uno sobre el otro. Su efecto puede ser llamativo y hasta agresivo.
  Dos colores complementarios serían por ejemplo el rojo violáceo "crimson" y elturquesa "turquoise"
  
  
  
  
  Suele funcionar muy bien usar el color complementario del primario de una página como color destacado. También suele ser una buena alternativa utilizar el color complementario del secundario.
• Colores Monocromáticos: Son aquellos que se encuentran aislados, sin presencia de otros colores. Usados producen sensación de unidad, homogeneidad y robustez. Se puede evitar la monotonía utilizándolos con diferente luminosidad (más claros y más oscuros).
  
  
  
• Colores Complementarios Adyacentes: Para un color, sus complementarios adyacentes son los colores análogos de su color complementario.
  Tres colores complementarios adyacentes del rojo "red" serían por ejemplo el verde primavera "springgreen" y el azul cielo "skyblue".
  
  
  
  
  El uso de de un color y sus complementarios adyacentes aporta un alto nivel de contraste, sin llegar al extremo cuando se usa directamente su complementario. También suele ser mayor la sensación de armonía que usando el complementario directo.
• Tríada de Colores: Tres colores constituyen una Tríada cuando sus tonos son equidistantes en el Círculo Estándar de Color.
  Un ejemplo de tríada lo constituirían el amarillo "yellow" junto al turquesa"turquoise" y al violeta "violet".
  
  
  
  
  Utilizar un esquema de color en tríada suele ser una buena solución cuando se desea un diseño colorido, ya que la mezcla estará bien balanceada. Si el conjunto resulta demasiado colorido para lo que necesitamos, siempre se pueden apagar un poco los colores disminuyendo su luminosidad o su saturación (o ambas).
• Esquema Cromático Monotono: Un esquema de color monotono lo constituyen un único tono de color junto a sus posibles variaciones en términos de tintes, luminosidad y saturación.
  
  
  
  
  Suele ser una buena solución si se desea un diseño robusto y homogéneo pero con las diferenciaciones y resaltes necesarios. En el caso probable de sensación de monotonía, siempre es una buena solución introducir negro y blanco.
• Esquema Acromático Monotono: Un esquema de color acromático monotono es un caso particular del esquema de color monotono constituido sólo por colores neutros dentro de la gama del negro al blanco.
  
  
  
  
  Suele ser un esquema eficaz con el que diseñar los distintos componentes de la página web, pero con seguridad resultará aburrido. Una buena solución es introducir un color resaltado como rojo o celeste.

Contraste entre colores

El contraste será mayor cuanto mayores sean las diferencias entre ambos en términos de:

• Tono
• Luminancia
• Cromancia

Cuando se diseña un sitio el elegir el contraste entre los colores que vamos a usar es muy importante porque va a influir directamente en la sensación que vamos a transmitir a los visitantes.
En primer lugar será importante que exita un gran contraste entre el testo ordinario y el fondo. Sin embargo habrá que tener sumo cuidado en no caer en estridencias que generalmente son tomadas como inmadurez o falta de profesionalidad.

Esta misma recomendación es aplicable cuando elegimos colores para resaltar o separar áreas de contenidos (aquí es menos necesario y abusar de él puede ser aún más perjudicial).
Si en nuestras páginas utilizamos por ejemplo un marco del área de trabajo gris y queremos utilizar un verde para áreas resaltadas, no es lo mismo elegir la sig. combinación:

en contraposicion con esta

En el segundo caso la gran luninosidad de ambos colores, y en especial la del verde, hace que el contraste sea demasido grande y la combinación resulte agresiva.

4to. Diseño Gráfico // Cromatología // Combinación de Colores

¿Cómo combinar colores a la hora de realizar el diseño de un nuevo proyecto?
La combinación de colores es fundamental al momento del diseño, ya que va a tener una influencia realmente grande en cómo lo perciban los usuarios y la sensación que les quede después de verlo.

Una de las primeras cosas a tener en cuenta es el numero o cantidad de colores. Es arriesgado establecer una norma estricta, ya que más de 6 colores simultáneos en una composicion pueden ser demasiados si existe un gran contraste entre ellos, pero pueden formar una combinación agradable si la relación entre ellos es adecuada.

Dos puntos a tener en cuenta

• Siempre es mejor pocos colores antes que muchos. Como mínimo, el riesgo de estridencias es menor.
• Podemos afirmar que 3 colores en una misma composición sería lo mínimo a utilizar y, en la mayoría de casos, debiera ser suficiente. Con menos de 3, las posibilidades de que la página o la imagen sea anodina y aburrida son muy grandes.

Estructura básica de una composición

(pensemos por ejemplo en un sitio web)

• Color Primario: es el tono básico de la página, el que la define, y el que ocupa la gran mayoría de la misma. Sería el color del atributo "background" de la página.
• Color Secundario: es el segundo tono predominante en la página, aunque en mucha menor medida que el primario. Normalmente debe acotar o resaltar áreas y debe ser bastante próximo en tono al primario.
• Color Destacado: es el color que se utiliza para resaltar aspectos concretos de la página. Por definición debe contrastar mucho con los colores primario y secundario y, por tanto, debe utilizarse con moderación. Puede utilizarse el Complementario o elComplementario Escindido del color primario de la página.

fuente: http://www.cristalab.com/tutoriales/guia-basica-para-la-combinacion-de-colores-c53345l/

4to. DG // Proyecto Integrado // Módulo 4-2011 // Proceso de Diseño

Jóvenes 4to. Diseño Gráfico, espero estén trabajando en toda la parte ANALÍTICA de OBSERVACIÓN y PROYECCIÓN de su proyecto. El proceso de diseño, como ya hablamos suficiente en clase, involucra varios pasos hasta llegar a la concepción del diseño final, si alguno aún no ha comprendido la parte de proyección en bocetos, modelos o prototipos, les dejo un link para que puedan observar una instalación de un proceso de diseño muy similar a la que CADA UNO de ustedes debe montar el día de la exposición final. Véanlo analíticamente y cualquier duda o comentario pueden hacerlo la próxima semana en clase.

Saludos.
http://www.90mas10.com.ar/diseno/2008/12/diseo-en-proceso.html

4to. Diseño Gráfico // Proyecto Integrado // Módulo 4 - 2011

Jóvenes, les dejo a continuación links de páginas que pueden consultar para la primera fase del proceso de diseño, recuerden que la fase de OBSERVAR Y ANALIZAR es importante ya que de acá partirá la idea inicial de su proyecto. Recuerden que tomar ideas, inspirarse y analizar casos análogos no quiere decir PLAGIAR O COPIAR, eso no es diseñar, tampoco adornar o decorar, así que tomen en cuenta los conceptos de los cuales hablamos en clase. Algunas de estas páginas se las he dado anteriormente pero creo que muy pocos las tienen así que las agrego a continuación y otras más que pueden interesarles.

http://www.architonic.com/
http://www.designboom.com/eng/
http://design-milk.com/
http://www.decoluxe.net/

estas son solo algunas de las que yo consulto mas para diseño industrial, de interiores, muebles, etc., pero hay muchas!! asi que POR FAVOR!! utilicen los medios y sobre todo formen CONCEPTO Y CRITERIO.

4to. DG // Cromatología // Top 7 Fuentes Tipográficas

El top 7 de las fuentes más usadas por los profesionales en diseño gráfico.
fuente: http://noticiasda.wordpress.com

Aunque ya han habido varios posts en internet sobre fuentes más usadas, la mayoría de ellos destacan fuentes usadas por diseñadores con no demasiada práctica. (Jacob Cass dice…) En este post quiero destacar las fuentes más utilizadas por diseñadores más profesionales.

1- Helvética

Sin duda, Helvética es la fuente usada con más frecuencia por los profesionales (y por los no tan profesionales) en el diseño gráfico. A pesar de que muchos adoran esta fuente, otros creen que el espaciado de esta fuente es muy pequeño.

Y tal y como Vivien declara en su artículo “16 fuentes que más se usan en exceso, “hay que entender que no siempre se puede confiar en Helvética para ilustrar y transmitir todos tus mensajes. Helvética no es perfecta para todos en todas las situaciones.” ”


2- Trajan

Trajan se las apaña para colarse en muchos carteles de películas de Hollywood y en todo aquello relacionado con la religión, la ley, el matrimonio, la clase o el pasado. Puedes echarle un vistazo a la encuesta de flickr sobre los usos preferidos de Trajan.

Un poco de historia sobre esta fuente… Trajan es un tipo de letra de estilo antiguo con serif diseñada en 1989 por Carol Twombly para Adobe. El diseño está basado en las mayúsculas cuadradas romanas, como las que se usaron para la inscripción de la base de la Columna de Trajano, de la que este tipo de letra toma su nombre.


3- Garamond

Aunque hay muchas versiones de esta fuente, la que más se usa hoy en día es la versión Adobe Garamond, que se lanzó en 1989. Garamond es ideal para revistas, libros de texto, páginas web y grandes bloques de texto y recientemente se la nombró segunda mejor fuente (después de Helvética) en una publicación alemana.


4- Futura

Futura es una fuente que suele aparecer en grandes visualizaciones, logotipos, tipos de letra de corporaciones y en libros en los que se necesita texto pequeño. Se basa en formas geométricas (círculos casi perfectos, triángulos y cuadrados) que se hicieron representativos del estilo de diseño Bauhaus entre 1919 y 1933. Futura tiene un aspecto de eficacia y atrevimiento. A pesar de todo, algunos odian la fuente.


5- Bodoni

Bodoni es una fuente magnífica para titulares, textos decorativos y logotipos. Tiene una estructura estrecha subyacente con un serif uniforme. La fuente tiene un marcado contraste entre líneas finas y gruesas y una construcción general geométrica que la convierte en una fuente muy estética.


6- Bickham Script Pro

Usada principalmente en ocasiones formales, Bickham Script Pro es una fuente que cumple bien con su trabajo. Incluso Cameron Moll la recomendó en su artículo “Fuentes por las que nadie será despedido”. Los diseñadores con no demasiada práctica suelen decantarse por Vivaldi en lugar de Bickham Script pro, que es una de las fuentes más odiadas en Estados Unidos. Una buena alternativa sería Sloop.


7- Frutiger

La familia de fuentes Frutiger no es ni estrictamente geométrica ni de construcción humanística. Sus formas están diseñadas para que cada uno de los caracteres sea fácilmente identificable por separado. Tales diferencias la hacen ideal para los trabajos de señalización y visualización y suele usarse en los logos de Web 2.0.

Toda la familia tiene una calidez y una delicadeza que, recientemente, la han hecho popular para el texto de menor tamaño en los bloques de texto de revistas y folletos.

4to. Diseño Gráfico // Técnica de Acuarela

El día lunes 02 de mayo iniciaremos con algunos trabajos en esta técnica, a continuación les dejo los materiales que vamos a utilizar en clase, LES RECUERDO!! que si alguien no tiene aún el material adecuado!! puede llevar lo que tenga a la mano, tanto para las acuarelas como para el papel.

MATERIALES:

- 2 Hojas DOBLE oficio ó A3 de papel ACUARELA (lo venden por pliegos, tienen que cortar sus hojas al tamaño de siempre, si no encuentran este papel pueden utilizar hojas BOND de 120 Gramos por el momento).
- 2 ó 3 pinceles (punto delgado, mediano y grueso) ó al menos 2 pinceles (delgado y grueso).
- ACUARELAS (pueden ser en tubos ó en pastillas)
- Masking Tape de 1"
- Recipiente para mezclar colores (puede ser una bandeja plastica para hacer hielo)
- Recipiente con Agua (de preferencia que sea agua reposada por 24 horas)
- Papel absorbente ó un Trapo
- Una playera vieja (para cubrir la camisa del uniforme al pintar)

En el laboratorio tenemos algunos materiales pero no hay para tooooodos,,, asi que si alguien de verdad no logra encontrar alguno podemos utilizar lo que tengamos a la mano.

POR ULTIMO ALGO MUY IMPORTANTE!!! les dejo links de 3 videos donde explican los materiales y la técnica de acuarela, véanlos y los comentaremos en clase el día lunes.

Saludos...

LA ACUARELA
http://www.youtube.com/watch?v=pEFS0a1fV7A

PREPARACION DE ACUARELAS
http://www.youtube.com/watch?v=fsQicd8-N20&feature=relmfu

EL COLOR
http://www.youtube.com/watch?v=RDZRyS2kOzs

4to. Diseño Gráfico // La Acuarela (Historia)

Vamos a iniciar el trabajo en la clase de CROMATOLOGÍA aplicando diversas técnicas de color y aprendiendo conceptos nuevos que nos servirán para el desarrollo del curso, entre estas técnicas esta LA ACUARELA, es una técnica utilizada desde la invención del papel, así que ambas historias van de la mano, les dejo un fragmento al respecto.

Historia y técnica de la Acuarela


Se puede considerar que las primeras acuarelas son los papiros del antiguo Egipto, y los tempranos dibujos orientales a tinta son en realidad una forma de acuarela monocroma. En la Europa medieval, se empleaban pigmentos solubles en agua aglutinados con un densificador derivado del huevo para los manuscritos miniados. Posteriormente surgieron otros tipos de pinturas opacas solubles en agua, muy cercanos a las acuarelas, como el gouache, que se sigue empleando en la actualidad.

Acuarelas Renacentistas. Normalmente se considera que las verdaderas acuarelas más antiguas son los estudios de paisajes y de animales realizados en el siglo XV por el maestro alemán Alberto Durero, quien terminaba a la acuarela sus dibujos a pluma sobre temas de historia natural.

Acuarelas Inglesas. La acuarela sufrió la evolución más importante de su historia en Inglaterra, en la segunda mitad del siglo XVIII, coincidiendo con el desarrollo, que además la intensificó, del romanticismo, que glorificaba la naturaleza y la belleza natural. Además de ser la técnica más conveniente para la pintura al aire libre (por su rápido secado), la acuarela era sobre todo adecuada para representar los temas románticos favoritos, como cielos tormentosos, niebla y bruma, y espesos follajes. Los temas abarcaban mucho más allá del paisaje, incluyendo las composiciones místicas de William Blake y las sátiras sociales de las caricaturas de Thomas Rowlandson.

Acuarelas en América y en Europa. La acuarela no destacó tanto en otros países europeos. En Francia utilizaron mucho esta técnica algunos pintores románticos como Géricault o Delacroix. La facilidad que proporcionaba a los artistas para representar la luz y la atmósfera tuvo una influencia menor en el movimiento impresionista que se desarrollaba en Europa a finales del siglo XIX, aunque algunos artistas aprovecharon su rápido secado para captar el instante fugaz. En España fueron diestros acuarelistas Mariano Fortuny y Ricardo Madrazo entre otros. El empleo de la técnica de la acuarela estaba más extendido en Estados Unidos. Sus principales representantes a partir de 1870 eran John Sargent y Winslow Homer, el primero con escenas europeas brillantes y el segundo con representaciones realistas y absolutamente espontáneas de los bosques de Maine y de escenas caribeñas. En el siglo XX, la acuarela ha tenido un papel relativamente pequeño, destacando ocasionalmente en la obra del postimpresionista francés Paul Cézanne y del vanguardista suizo Paul Klee. Sin embargo, en general, ha quedado eclipsada por sus parientes más brillantes y expresivos, el gouache y la pintura acrílica.